“Nell’estate del 2015 mi trovavo ai mondiali anti-razzisti che si tengono ogni anno a Bosco Albergati (Bologna). In questo caldo e colorato clima di pace, con la chitarra in mano, nasceva la mia canzone: un invito pacifico a comprendere il profondo malessere dell’uomo che scappa dalla guerra e a non confonderlo con chi di questa cosa approfitta ogni giorno, per business, per interesse personale o per politica. Sia con la cravatta, che con le scarpe rotte, mille sono quelli che ogni giorno usano, anzi, abusano dello strazio delle guerre”. L’immigrato segna per Nevruz l’inizio di un nuovo progetto discografico in elaborazione per il 2017 e che vedrà nuove sorprese e collaborazioni. “Io, terremotato, sono il primo ad aver avuto meno diritti degli immigrati, ma non per questo faccio differenze. Non è colpa di chi arriva, ma di chi gestisce e manovra. L’uomo è uomo. Bisogna guardare oltre ai confini geografici, culturali, razziali. Se mi rispetti hai lo stesso mio diritto ad essere rispettato. Né più né meno. Chi è civile e rispetta gli altri, è e sarà sempre un mio fratello. Chi è delinquente, lo è indipendentemente dalla sua provenienza. Vorrei che nessuno più facesse distinzione tra colore della pelle o paese d’origine, ma solo tra persone civili e persone incivili. Perché l’amore non ha colore”. Con L’immigrato Nevruz è stato finalista nei 70 giovani di Area Sanremo.
Sì, ok l’autoironia, lui simpatico e caruccio…. ma riciclare la base di Andiamo a comandare per il nuovo singolo magari anche no…
Interessante Fabio, Tutto molto interessante, per l’appunto….
Hanno fatto idealmente da colonna sonora al viaggio della coppia degli #Spostati durante l’ultima edizione diPechino Express, l’adventure game di Rai2 giunto quest’anno alla quinta edizione. I REMIDA, band pop-rock della scena indipendente modenese, hanno infatti raccolto l’invito di un amico e hanno realizzatoGli #Spostati, un brano dedicato proprio a Tina Cipollari e Simone Di Matteo, da molti considerati i vincitori morali del programma. Un brano vivace, dalle sonorità latin e con un testo colorato come i personaggi di cui parla. Un progetto che la band considera come un ritorno al passato e una felice parentesi nel suo cammino musicale, in futuro diretto verso territori più elettronici, come spiega Davide Ognibene, cantante del gruppo. Perché arrivati a un certo punto, non si può continuare a fare quello che il mercato vorrebbe da te, ma bisogna seguire musica che ti faccia venire i brividi.
Come, quando e perché i REMIDA hanno deciso di dedicare una canzone agli Spostati? Partiamo proprio dall’inizio: è nato tutto quest’estate da un’idea di Simone Pozzati, un autore con cui avevo già lavorato in passato e che lavorerà anche ad alcuni progetti futuri della band. Mi ha detto che una coppia di suoi carissimi amici stava per partire per un’avventura e voleva dare una musica a un testo che aveva scritto per loro. Io, con il classico mood da musicista che spesso mi contraddistingue, quando ho scoperto chi erano e di quale avventura si trattava, ho accantonato la cosa. Poi durante un giorno di pausa del tour ho riletto il testo e ho visto che in effetti aveva delle immagini molto divertenti, era assortito tanto quanto lo è poi stata la coppia. La melodia mi è quindi uscita quasi da sola, a Simone è piaciuta e noi REMIDA l’abbiamo incisa, prendendola con grande leggerezza, come un gioco. Quindi tu non conoscevi Tina e Simone Di Matteo? Esatto. Ci siamo conosciuti personalmente e professionalmente solo in seguito: ci hanno manifestato un grande apprezzamento per il brano e per noi è stato un motivo di orgoglio. I tuoi dubbi iniziali sono spariti? Come dico sempre, lo snobismo da musicisti andrebbe cancellato, ma non è facile, soprattutto oggi che l’ambiente televisivo è sempre più legato a quello musicale. Una vicinanza che paradossalmente porta molti artisti ad assumere atteggiamenti di chiusura, anche se in fondo stiamo facendo la stessa cosa, spettacolo. È un atteggiamento che ogni tanto riconosco in me, ma di cui non mi vanto assolutamente. Come va considerato questo brano all’interno del percorso musicale dei REMIDA? C’è un imprinting musicale completamente diverso: come band, negli ultimi due anni abbiamo cercato di fare quello che il mercato intorno a noi chiedeva, ma adesso abbiamo tagliato il traguardo dei 30 anni e non possiamo più permetterci di continuare a seguire questi meccanismi. Abbiamo scelto di fare quello che ci va, e già quest’estate con il singolo Luce delle stelle abbiamo intrapreso una strada con molta più elettronica, un sound internazionale che si rifà un po’ a One Republic e Coldplay, sempre in italiano. Con Gli Spostati abbiamo ripreso quel suono un po’ latino con cui abbiamo iniziato, e ci ha fatto quindi piacere realizzarlo.
Un nuovo corso per il futuro quindi? Stiamo lavorando a un nuovo disco che uscirà forse l’anno prossimo e c’è già l’idea per il prossimo singolo: si intitolerà DeLorean, come la celebre automobile, e il testo farà fare un tuffo nel passato. Tutto il progetto sarà elettropop, con filo di rock. La storia dei REMIDA è partita ormai dieci anni fa: come hai visto cambiare il panorama musicale in questo periodo? Quando abbiamo iniziato, l’indie era davvero indie e nasceva dalla volontà di proporre qualcosa di diverso. Oggi l’indie è quasi più pop del pop, non c’è più ricerca: per carità, nulla di male, tutti lavorano e lo fanno per ottenere risultati, ma è evidente che oggi gli artisti ragionano molto pensando più a quello che può piacere all’esterno più che a se stessi. Per sfondare pare che si debba per forza fare un talent, che altro non è che un karaoke amplificato in cui ti impongono pure l’inedito, gli uffici stampa sembrano decidere per te quali brani far uscire, la radio hanno pochissima libertà di movimento, insomma tutto è piuttosto standardizzato. Fino a sei, sette anni nel circuito underground si trovavano ancora artisti che proponevano cose diverse, oggi lo riesce a fare solo qualcuno che si fa strada attraverso il web: non mi riferisco però al web alla maniera di Benji e Fede, ma al lavoro di artisti come Calcutta, Ermal Meta, Marta sui tubi, tutto quel panorama che in questi anni s è mosso sul web e ha fatto sentire qualcosa di bello. Mai nessuna tentazione di fare un talent? Sarei ipocrita a dire di no: come tutti i treni, abbiamo provato a prendere anche quello, senza però concretizzare niente. Non voglio giustificare il fatto di non essere mai stati presi, ma non eravamo davvero convinti e quando ci veniva chiesto dove ci sentivamo più fuori luogo, la nostra risposta era “qui”, il che ci escludeva direttamente dai giochi. Probabilmente non siamo il prodotto più adatto per quel mondo, abbiamo idee molto chiare su quello che vogliamo e non vogliamo fare: anni fa, quando dovevamo fare le selezioni per X Factor, il nostro vecchio produttore ci ha chiesto se riuscivamo a immaginarci Ligabue che cantava cover di Ramazzotti. Ecco, quella riflessione mi ha fatto capire tanto. Ma allora perché uno come Manuel Agnelli ha scelto di metterci la faccia come giudice? Per lui c’è convenienza: prima ho fatto un po’ di demagogia, ma non escludo che se fossi al posto forse accetterei anch’io di partecipare. La mia critica è verso il sistema che regge quei programmi e probabilmente lui ha trovato il modo giusto per starci. D’altronde, nessuno fa questo mestiere per suonare in cantina, tutti vogliamo arrivare al maggior pubblico possibile. Inoltre, gli Afterhours sono partiti dall’underground, ma con gli anni sono diventati la band più popolare di quel settore, i più pop dell’indie, non sono certo diventati famosi con X Factor. Dopo più di vent’anni di attività, per loro può essere un modo di trovare professionalmente nuove strade. Con chi ti piacerebbe lavorare tra gli artisti italiani e stranieri? Tra gli italiani sarebbe una bella lotta: soprattutto però, Ligabue ha una bellissima penna, è vero in quello che fa, e poi Cesare Cremonini, che ultimamente ci ha incantati. Poi, come dicevo, c’è tutta una serie di artisti che apprezziamo molto, da Calcutta ai Marta sui tubi, i Tre allegri ragazzi morti, I ministri… A livello internazionale, un nome su tutti è quello dei Coldplay. Una curiosità: perché REMIDA? È nato da un insieme di tre note di uno dei nostri primi pezzi, re, mi e do, ma suonava male, così abbiamo cambiato il finale è l’abbiamo scritto in maiuscolo e tutto attaccato, pensando che nessuno lo avrebbe ricollegato al personaggio mitologico, invece è la prima cosa che ci chiedono. Per concludere, una domanda di rito per BitsRebel: che significato dai al concetto di ribellione? Domanda “marzulliana”, perché ribellione può voler dire tutto e nulla. Per me, vuol dire riuscire a tirar fuori la vera natura senza cadere negli estremismi, e vale in tutto, musica, politica, vita quotidiana. La ribellione, quella vera, richiede intelligenza: non serve mettersi a strillare per far sentire le proprie ragioni, ma la rivoluzione va portata nel silenzio. Purtroppo, è il contrario di quello che sta accadendo oggi, con tutta quella “cagnara” che c’è lì fuori a cominciare al mondo politico.
Parlare con Francesco Tricarico, anzi solo Tricarico, è come trovarsi davanti a un’oasi di pace.
In un mondo in cui sembra vincere sempre e solo che grida di più e dove il chiacchiericcio regna imperante, lui mantiene una calma invidiabile. Non però con l’aria snob di chi non vuole mischiarsi al popolo, ma semplicemente con l’atteggiamento di chi vive il proprio lavoro con il solo scopo di creare qualcosa di bello, gratuitamente bello, senza secondi fini e senza fastidiose ambizioni arriviste. Nel suo caso, musica e pittura. Il suo nuovo album, Da chi non te lo aspetti, arriva a tre anni dal precedente Invulnerabile, e in 10 canzoni (più una bonus) tira fuori il lato più semplice, giocoso e innocente della musica. Per rendersene conto, basta ascoltare pezzi come La bolla, la spassosissima Il motivetto, Brillerà, insieme ad Ale e Franz, ma anche Una cantante di musica leggera, una sorta di dialogo elettropop tra un uomo e la sua musa. Da chi non te lo aspetti: perché questo titolo? È partito tutto da un’esposizione dei miei quadri che si è tenuta la scorsa primavera al Jamaica di Milano: dovevo scegliere un titolo e insieme al curatore della mostra, Alberto Maria Martini, abbiamo pensato proprio a questo, perché in quel momento c’era una persona che aveva fatto una cosa per noi inaspettata. Da lì è arrivata poi l’idea per la canzone: ho voluto però dare un’accezione positiva a questa espressione, perché da chi non ci aspettiamo può arrivarci una pugnalata alle spalle, invece io dico che da chi non ci aspettiamo può arrivare un bacio. Dipende comunque da noi permettere alle cose belle di arrivare e fare in modo che gli eventi spiacevoli siamo solo dei momenti, dei passaggi per arrivare a qualcosa di buono. Una lettura in positivo dettata da ottimismo verso il genere umano? Io sono molto ottimista verso il genere umano! L’ottimismo deve essere alla base, anche se oggi sembra esserci un pensiero che porta a vedere con sfiducia il prossimo. Ma penso che si supererà. Definisci questo disco come un concept album: ma in un’epoca in cui tutto è personalizzabile con le playlist, che senso ha fare un concept album? Oggi tutti siamo impegnati con i selfie, siamo protagonisti dei film che noi stessi ci costruiamo sui social, abbiamo sempre lo sguardo sui telefonini: sono tutti così distratti, che se fossi un borseggiatore, sarei felicissimo! Tutto è rimandato alla parte visiva, al punto che se non avessimo gli occhi, sembra che non potremmo gioire di nulla. Dovremmo invece ricominciare ad essere più presenti rispetto a quello che ci accede intorno, accorgerci della bellezza delle cose e delle persone. Se io e chi ha lavorato con me siamo riusciti a suscitare una curiosità dell’ascoltatore per tutta la durata del disco, abbiamo fatto davvero un lavoro eccezionale! Per questo penso che oggi più che mai fare un concept abbia senso, perché vai spezzare un meccanismo. Poi non importa in che ordine si ascolteranno i brani, può piacere anche una canzone sola, l’importante è aver portato al centro la musica. Il duetto con Arisa in Una cantante di musica leggera è davvero ben riuscito: come siete arrivati a collaborare? Io e Gennaro Romano, coautore del brano, eravamo a Napoli a un concorso di cantautrici dedicato a Bianca D’Aponte. Ci siamo trovati davanti a tante canzoni elaborare, sofisticate e guardandoci in faccia abbiamo pensato invece che ci voleva una canzone leggera, che usasse immagini semplici per descrivere un fiore, la primavera… Abbiamo quindi iniziato a giocare un po’ con le immagini, lo spumante frizzante, un giorno al mare, insomma, situazioni condivisibili da tutti, e ci abbiamo aggiunto il ritornello in cui questa cantante risponde. Per il duetto ho pensato ad Arisa perché c’è stima reciproca, è brillante, coraggiosa, una grande interprete, e in passato mi aveva proposto di lavorare insieme.
Tra la tua pittura e la tua musica c’è qualche legame? Mi piace l’idea di vedere una tela bianca che si riempie che poi resta lì, visibile, invece la musica non esiste: abbiamo imparato a registrarla e inciderla, ma un tempo non era così, il musicista la eseguiva e poi tutto finiva, non restava nulla. Forse si completano: una resta, l’altra se ne va ma poi può ritornare. Mi sono anche reso conto che più una cosa è bella, più c’è disinteresse verso tutto il resto, è come una magia, l’opera vive solo per sé. Guardando i tuoi quadri si notano degli elementi ricorrenti: il labirinto, il melograno… Hanno un significato particolare? Dal labirinto si deve uscire, e per farlo serve razionalità, tecnica, ordine. Il labirinto serve a riportare ordine in mezzo al caos, anche se può diventare claustrofobico. Il melograno invece mi piace perché simboleggia la fortuna con i suoi chicchi rossi, come una sorpresa da scoprire. In ogni opera comunque lascio entrare tutto quello che mi passa per la testa. A differenza di tanti tuoi colleghi, non sembri molto presente sui social: è un mezzo non che non ti attira? Non capisco questa abitudine di far vedere tutto di sé. Li uso come personaggio pubblico, per lavoro, ma perché devo far vedere casa mia, quello che cucino o le foto di mio figlio? Queste sono cose che di solito si fanno vedere agli amici: quindi significa che se tu mi fai vedere che hai cucinato un piatto di pasta, io posso venire da te e farmela offrire? Se ti citofono e ti chiedo di salire, tu giustamente come minimo chiami la polizia, no? È allora che senso ha? Dobbiamo farci gli anticorpi per un buon utilizzo di questi mezzi, non li sappiamo ancora usare. Un po’ come chi va ai concerti e li segue da dietro lo schermo del telefono: non ci si rende conto che si sta perdendo un momento, lo si sta vivendo con un filtro, e tutto per paura di dimenticarlo in futuro. Dove ti piacerebbe portare queste canzoni dal vivo? Mi piacerebbe suonare in posti molto diversi e indipendentemente dalle uscite discografiche. Negli ultimi tre anni, anche se non avevo dischi in arrivo, non ho mai smesso di suonare dal vivo e vorrei continuare a farlo, perché è questo il vero valore della musica, creare un momento che non si ripeterà più. Per i prossimi concerti stiamo studiando i luoghi. Per concludere, una domanda di rito per BitsRebel: che significato dai al concetto di ribellione? Ribellione è cercare di capire tutti i meccanismi che viviamo. Se sai come stanno le cose, sai anche come cambiarle. La ribellione nasce da un malessere, dalla presa di coscienza che qualcosa non va. A quel punto puoi manifestare la tua rabbia, ma diventi subito riconoscibile e vieni bloccato, oppure puoi cercare di capire e continuare a fare quello che vuoi senza essere notato. La chiave di tutto sta nella sapienza: se conosci, puoi disinnescare tutto quello che vuoi.
BITS-RECE: radiografia di un disco in una manciata di bit. Si fa presto a dire Ligabue. Dopo più di 25 anni di canzoni, uno pensa di conoscerlo, almeno per un po’, per il suo modo di usare la voce, la scrittura, la stesura degli accordi. E lui invece ti spiazza pubblicando un disco al di fuori degli schemi, quantomeno i suoi, e lo intitola semplicemente Made In Italy. Roba che prima di ascoltarlo, uno si immaginava un album che raccontava l’Italia nelle sue vette e i suoi abissi, ma pur sempre nello stile “del Liga”. Invece…
Invece Ligabue è arrabbiato, forse come non lo era mai stato prima, neanche con Mondovisione, dove pure una certa rabbia veniva fuori. La sua è però una rabbia mista alla delusione per un paese “che fa finta di cambiare e intanto resta a guardare”, come canta in La vita facile, il pezzo che apre il disco. E poi c’è comunque l’amore per questa terra. Una foschia di sensazioni che Luciano ha riversato in quello che, per sua stessa dichiarazione, si può considerare un concept album, il primo della sua carriera. Il collante è proprio quello del racconto delle piccolezze e dei drammi italiani, non però dal punto di vista del cantautore Ligabue, ma di Riko, una sorta di suo alterego, un uomo pressato dalla vita, quello che lui sarebbe diventato se la sua sorte non gli avesse riservato la vita che ha avuto. Quello arrabbiato che racconta è quindi idealmente questo Riko, è lui a prendersela con la superficialità dilagante, i politici che promettono “più figa e meno tasse”, ed è ancora lui quello che al venerdì intima agli altri di non rompergli i coglioni. E proprio in questo gioco di specchi viene il bello. Perché in Made In Italy, del Ligabue che eravamo abituati a sentire c’è poco. Non proprio nulla, ma molto, molto meno rispetto al solito. Già G come giungla avrebbe dovuto darci qualche sentore, perché un pezzo con quei suoni il Liga non lo aveva mai fatto.
Ci sono un po’ di suoni muscolari, potenti, molto belli tra l’altro, che avevano riempito la scena con Mondovisione, e ci sono alcuni pezzi classici “alla Ligabue”, come appunto La vita facile, Vittime e carnefici e anche il pezzo che dà il titolo all’album, ma in mezzo ci sono riferimenti molteplici, come The Who e il loro Quadrophenia. Ma non ci sono pezzi d’amore e mancano le rapide pennellate di parole con cui Ligabue era solito descrivere scene di realtà. La storia di Riko passa attraverso un matrimonio comatoso, un linguaggio duro come mai prima, la frustrazione per la politica e il mondo del lavoro sempre più precario, e poi una brutta avventura con un poliziotto che gli procura qualche punto in testa e qualche minuto di celebrità mediatica, fino al lieto fine di Un’altra realtà, questo sì in perfetto stile Ligabue: “non ho dormito / ma ho visto l’alba / ecco che spunta / un’altra realtà”. Non so dire se tutta questa impalcatura del concept e di Riko mi ha davvero convinto, forse lo spaesamento è troppo grande e forse Made In Italy non è il lavoro di presa più immediata di Luciano Ligabue, ma suona piuttosto come un disco di passaggio. Certo è che quando Ligabue “fa Ligabue” la stoffa del fuoriclasse torna fuori.
“Per me Romanza è prima di tutto la sintesi della mia storia personale e artistica. Si tratta di un pezzo del mio cuore che, attraverso il miracolo della musica, sono stato in grado di condividere con il mondo.”
Andrea Bocelli festeggia il 20esimo anniversario del suo più celebre album, Romanza, con Romanza – 20° Anniversario, una straordinaria nuova edizione rimasterizzata. Il disco italiano più venduto di tutti i tempio, torna a rivivere sulla scena musicale il 18 novembre, con una nuova versione arricchita da tre bonus tracks con arrangiamenti inediti di Con te partirò (Time To Say Goodbye). Con te partirò diventò un successo planetario nel 1996 quando venne eseguito da Andrea Bocelli in duetto con Sarah Brightman nel corso dell’ultimo incontro di boxe del pugile tedesco Henry Maske che scelse la come colonna sonora per il suo addio al ring. La partita fu vista da 21 milioni di telespettatori e proprio quella partecipazione introdusse Bocelli sulla scena mondiale. In Romanza – 20° anniversario sono due le nuove versioni del brano: una con una grande orchestra e l’altra con un arrangiamento pianoforte e voce.
La versione digitale dell’album comprende anche una versione strumentale di sola orchestra e un’ulteriore interpretazione di coro e orchestra. All’interno dell’album, anche adattamenti rimasterizzati dei grandi successi del tenore: da Vivere a Vivo per lei, da Miserere a Romanza, fino a Il mare calmo della sera, title track del primo omonimo album in studio del tenore.
Per Lastanzadigreta le canzoni sono creature selvagge: sfuggono, si nascondono, saltano, all’inizio sono piccine ma poi crescono e sporcano tutto in giro. A volte sono piccole e dolci, altre volte mostruosamente abnormi. A volte hanno suoni da cameretta, altre volte di un’orchestra rock. A volte usano strumenti veri, a volte strumenti strani e dimenticati in qualche solaio. Dodici di queste canzoni hanno finalmente trovato casa in un disco, il primo della band, che uscirà il 2 dicembre. Ad anticiparlo, il singolo Creature Selvagge.
La band, composta da Leonardo Laviano, Alan Brunetta, Umberto Poli, Jacopo Tomatis e Flavio Rubatto, si distingue per l’organico anomalo dal vivo: nessun basso, nessuna batteria, nessun ruolo predefinito fra i componenti. Dal 2011 i componenti della band sono anche il cuore dell’Associazione CulturalealtreArti, che ha sede a Torino e propone una vera e propria rivoluzione didattica nell’insegnamento della musica. Il progetto JAM, nello specifico, porta avanti la filosofia della “musica bambina”: un modo di fare e pensare la musica mettendosi in gioco, stupendosi, sapendo gioire, imparando ad essere bambini “permanenti”, indipendentemente dall’età e sviluppando l’ascolto, l’interplay, la collaborazione e la capacità di risolvere problemi. Per info e iscrizione ai corsi: www.altreartijam.comhttps://www.facebook.com/altreartijamhttps://www.facebook.com/altreartijam
In attesa di vedere li dal vivo nel loro primo tour insieme in partenza il 27 gennaio 2017, esce il 2 dicembreSanteria Voodoo Edition, nuova versione dell’album di Marracash e Guè Pequeno: doppio CD, il DVD The Recording Sessions, docu-film sulla lavorazione del disco, e un booklet di 36 pagine con immagini inedite.
Su Amazon sarà invece disponibile Santeria (The Complete Box) che conterrà anche il doppio vinile e 12 tarocchi.
In partenza dal 27 gennaio al Gran Teatro Geox di Padova, il tour vedrà i due rapper protagonisti in una serie di concerti che comprenderanno i brani dal loro primo progetto discografico assieme e le loro singole produzioni.. Gennaio 2017 27 PADOVA GRAN TEATRO GEOX 28 VENARIA (TO) TEATRO CONCORDIA 31 MILANO ALCATRAZ Febbraio 2017 1 MILANO ALCATRAZ 03 FONTANETO D’AGOGNA (NO) PHENOMENON 04 NONANTOLA (MO) VOX CLUB 14 NAPOLI PALAPARTENOPE 16 FIRENZE OBIHALL 18 ROMA ATLANTICO Prevendite circuito Ticketone.it Info fepgroup.it
Filippo Graziani torna in radio e nei digital store venerdì 18 novembre con Credi in me, il nuovo singolo che anticipa il nuovo album previsto per l’inizio del 2017. “E’ una canzone sulla speranza, l’importanza del contatto umano in una società sempre più rivolta all’egocentrismo. Parla di come sia essenziale avere qualcuno che creda in noi, sostenga le nostre azioni e ci spinga a superare i nostri limiti nella vita di tutti i giorni”. Il videoclip avrà la regia di Andrea Tani ed è stato girato utilizzandola Red Epic Dragon, regina delle macchine da presa dell’industria del cinema. Il video unisce il sound di questa ballad moderna agli angoli più vivi e animati di Milano. Molta cura è stata dedicata anche alla parte del color grading, curata da Gianluca Cordioli (Alchemy Studio’s di Verona), utilizzando il software DaVinci Resolve di Balckmagic Design, che ha permesso lo sviluppo di un carattere ed di un “look” moderno dai toni intensi e romantici.
Musica da ballare prodotta con un approccio “scientifico” alla materia più oscura, pulsionale e irrazionale che esista.
Demonology HiFi: due esorcisti del beat, Max Casacci e Ninja presentano il loro nuovo progetto che approfondisce il rapporto con il mondo delle pulsazioni a bassa frequenza, già alla base del suono dei Subsonica. Ritmi dispari, innesti tra generi differenti, modificazioni genetiche di archetipi della dance culture.
Totem è il singolo che anticipa il primo album in uscita a gennaio: un brano potente ed evocativo – a suo modo spirituale – nel quale profonde pulsazioni urbane si mescolano a suggestioni rituali africane, fino a sfiorare l’afro beat.
Il singolo è accompagnato da un video di Gabriele Ottimo, che ha indagato il micromovimento in termini di loop: “Ho voluto creare delle scene dal forte potere simbolico, quasi religioso” racconta il regista “ma che contenessero all’interno delle micro-azioni scientifiche ed estremamente fredde. Volevo che il loop si ricreasse anche nella narrazione quindi ciò che crea l’alchimista durante il suo esperimento e’ lo stesso tesoro che lo sciamano custodisce ed utilizza nei suoi riti.”
Giocare esteticamente con iconografie, superstizioni, credenze occulte, invita a ricreare un perimetro di sacralità intorno all’espressione umana più intensa che esista: la musica. Il dancefloor è il luogo nel quale il rapporto con la musica può ancora essere vissuto in tutta la sua gioiosa, fisica e spirituale pienezza.
